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オダギリさんが、映画というものに対して持っている思いを教えていただきたいです。

映画がいろんなことを教えてくれたんですよ。こんな世界もあって、世の中にはこんなことが起こっていて、こういう人達がいて……。ファッションも音楽も文化も、かっこよさを教えてくれたのも映画でした。自分にとって絶大な影響を与えてくれたものなんです。エンターテインメントとしての映画も、それはそれでひとつの映画の役割だと思うけれど、僕はアートやカルチャーとして映画を捉えています。


エンターテインメントの映画と、アート・カルチャーとしての映画の差はどういうところにあると思いますか？

冒頭の話とも関係するんですけど、大衆を意識するかしないかというのは大きいと思います。大衆を楽しませる要素を、計算して入れるのがエンタメ。「絶対に泣ける」というようなことですね。それはそれで、すごく難しいことだとも思います。一方で、アートとしての映画には作り手の強い意志やメッセージが必要なのだと僕は考えています。


受け手が想像力を持つということがどんどん減っていて、時代の変化のなかで「わかりやすいもの」や「バズるもの」に注目が集まるような構造になっていますよね。

最近そういったことをよく耳にしますね。僕としては人間の感性や想像力というものは、いつまでも信じていたい。この映画を作った理由のひとつも、そういったところだと思います。この映画の大きな挑戦のひとつです。


ラストシーン、すごく印象的でした。どう判断していいかわからない、終わりとも捉えられないような。

確かに、彼らの人生はあのあとも続きますからね。人によってはハッピーにも、アンハッピーにも見えると思いますが、どう捉えられてもその人の好きなように解釈してもらえればと思います。

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実は、この映画を試写会で観たあと、こんな映画を観たよって知人に話しながら涙が出たんです。反芻しながらいろいろ思い出して感情に届きました。

え、ほんとですか（笑）。それはうれしいな。「泣かそう」なんて全く思ってなかったので、そういう感想はちょっとびっくりするんです。引っかかる人にとって引っかかる作品であるというのはすごくうれしいし、一本の映画で人生が変わることもあるじゃないですか。「あの映画を観たから自分の人生が変わった」っていう、この映画が誰かのそういう作品になったら本当にうれしいですね。


「売るために映画を作る」のではなく、純粋にやりたいこと、描きたいものを作るという意志があったように感じます。

やっぱり自分にしか作れないものを作らないと、何かを作る意味ってないじゃないですか。自分だったら何ができるかっていうのを突き詰めないと意味がないと思うんですよ。だから売れる売れないとかを考えることよりも、何ができるか、何を作るべきかということの方が僕にとっては重要性が高いというか。それで売れないのはしょうがないじゃないですか、売れるに越したことはないですけど（笑）。


その考え方はオダギリさんの考える、人としてこうありたいという考えに関わってくるのかな、と。

職人のように何か１つのことに打ち込める人ってものすごく素敵じゃないですか。真面目に物事に向かって、それを長期間続けられる人って、やっぱりすごいと思うんですよ。そういう人はかっこいいし、やりたいことを明確に持っている人というのが理想なんじゃないかなって気はしますね。ちょっとしたことで揺らぐのは、やっぱりかっこ悪い。それが自分を持っているということなのかな。平凡な言い方になってしまいますけれど。


オダギリさんは、俳優業から監督業へ重心を置き換えるということを考えられているんですか？

いえ、全然。何かを描きたいという衝動がないと映画って作れないので、これからそういうものがあればまた作るでしょうし、「作ってほしい」とか「作らなきゃいけない」とかっていう状況で作るのはおかしな話だと思いますね。自分で作りたいという思いが、今後どのタイミングなるかは今はわからないですね。


俳優業と監督業の考え方の違いは、大きいですか？

そんなこともないですよ。俳優としてもやりたくない仕事はするべきじゃないと思うし、興味が持てないのに仕事を受けるっていうのは失礼だと思う。やっぱり僕は、俳優としてもこだわりが強いほうだとは思いますね。


話が戻るのですが、映画のなかで印象的だったのがトイチの中にある邪悪さです。自分の邪悪さをどう飼い慣らしていくか、って、それも人間の大きなテーマですよね。オダギリさん自身のなかにもそういう思いはありますか？

人間って、良い面も悪い面もある。１歩間違えれば犯罪を犯したのかもしれないし、善くありたいと思いながらも、どこかで悪い自分が出てきたりもする。でもそれを否定することもないと思うんですね。それが人間だからこそ、認めてあげたいんです。そういう視点に立ってこそ、「本当の人間」が見えるんじゃないかなと思います。僕のなかにも狂気はもちろんあって、それを野放しにするのではなく、いかにコントロールするか、ということは考えます。そういう自分が船頭という静かな存在を描くうえで、抑えられない衝動があったのは確かですね。静かな作品を静かに描くだけでは満足できなかった。自分の悪いところも含めてわき上がったものでした。人間を描くうえでも避けられないものだったと思います。


殺人事件が起きた時に、加害者について想像することは決して多くないですよね。人生のどこかのタイミングがずれていたら、もしかしたら犯罪を犯していたかもしれない、という想像力も時には必要なのかなと。

幸いなことに、俳優って自分のなかにある狂気を利用できるんですよ。作品のなかでそれを表現に昇華させられるから、僕はなんとかやってこれたんだなと思うんです。物を作る人は、それぞれ、そういう狂気と向き合って乗り越えているんだと思うんです。

オダギリさんの人生のターニングポイントはいつでしたか？

アメリカに留学したことはターニングポイントですね。日本の美術のクラスで、課題と違うものを作ったら×になるじゃないですか。アメリカでアートのクラスを取った時に、英語がよくわかってなくて、絵を描く課題に対して立体造形を作っていっちゃったんです。でも先生が逆に褒めてくれて。「これはお前の個性だ。」みたいなこと言ってくれて、すごい国だなと。アートっていうのはなんでも受け止められる自由さ、懐の深さがある。日本にいる時は気づかなかったことでしたね。


15周年のナイロンのテーマは、『NEW POWER NO BORDER』なのですが、オダギリさんの思想や人生は、そういったテーマを体現しているように思います。

何かにボーダーがあるとかないとかってこと自体を考えたことがなくて、僕は俳優として海外の作品に携わる時にも、「海外作品だからやる」みたいな思いはないんです。たまたま海外の作品の台本が面白かったから、とか、その時時間があったから、やってるだけなんです。「ハリウッドに行きたい」っていう俳優さんもいるけれど、海外にばかり目が行って、自分の足もとがちゃんと見えてないと成功はしないですよね。自分の目の前にあるものと誠実に向き合う。今置かれた状況でどんな事ができるのか？　やり残していることはないか？　どんな自由があるか。それができていないならば、どこに行っても難しいですよね。まずは自分の手の届く範囲のことを考えて、100%やるべきなのかなと思いますね。自分を信じれば、結果はあとからついてきます。


最後に、ＮＹＬＯＮの読者にメッセージを。

突き詰めるべきですよ、何が好きで、何に影響されてるかをどんどん深めていくことがスタートだと思います。最初はあやふやなものでも、それを突き詰めていくと自分が見えてきて、そこから自分が発信できるようになってくる。ファッションにしても、自分の方向性を狭めていくなかでスタイルができると思う。なんか、偉そうですかね。すみません（笑）。

STAFF

MODEL:JOE ODAGIRI(DONGYU)

INTERVIEW: TAIYO NAGASHIMA

PHOTOGRAPHY:TOSHIO OHNO

STYLING:TETSUYA NISHIMURA

HAIR&MAEKUP:YOSHIMI SUNAHARA(UMITOS)

EDIT:SHOKO YAMAMOTO

DESIGN:SHOKO FUJIMOTO

CODING: JUN OKUZAWA

オダギリ ジョーは、キミに問う

一言だけでは到底言い表せない、異彩な魅力を放つ俳優オダギリ ジョー。
９月公開の長編映画『ある船頭の話』を完成させ、
映画監督としての才能を確実なものとした。
その背景には僕達には想像もつかない道のりと、彼ならではの想いがある。
現代を生きる人に投げかける問いかけと共に、
大人の男の持つ多面的な魅力を感じ取ってほしい。

『ある船頭の話』は、船頭のトイチを中心に展開していきます。船頭という仕事に注目したきっかけをまずは教えてください。

10年くらい前に、テレビで見たのがきっかけです。熊本に球磨川という川が流れていて、小さな舟を渡している船頭の方（八郎さん）がいたんですよ。それを見て「綺麗だな」という思いと、「この職業がいつか消えていくことがもったいない」という思いを抱きました。職業も文化も、時代と共に消えてゆくものってたくさんある。失ってしまって良いのかな、どうなのかな？　と考えているうちに、その船頭の方に直接話が聞きたくなって、実際に会いに行ったんです。


現代にも、船頭という職業があるんですね。

そうなんです。本当にわずかな人数しか残っていないんですよ。2週間くらい生活を共にして、自分でカメラを回してインタビューしたり、船頭がどんな生活をしているのか、ずっと撮らせてもらったんです。八郎さんと話すうちに、今の社会の仕組みのなかにあった違和感とリンクして、それでこのストーリーに結びついていきました。


主人公のトイチは仕事に真摯に向き合っていますよね。船を渡しながら人と人との関わりが生まれる様子が印象的でした。

トイチにとっては、それが生きるということなんですよね。球磨川の八郎さんは1日にせいぜい１人か２人のお客さんを渡すだけなんです。いつ来るかわからないお客さんを待ち続けている。でも、自分が船を動かして役に立っていることが幸せで、そこで生まれる会話が楽しみだ、とピュアに話してくれました。そんな船頭の日常を細かく描くことでしか、トイチという人物の生活は描けない、と思いましたね。トイチは、川に橋が架かることで、自分はもはや必要とされなくなるんじゃないか、という不安も抱えています。その葛藤を中心軸にして描く、というところから着想しました。


オダギリさん自身が、「失われていってしまう」と感じた出来事はありますか？

ありとあらゆるものが失われていきますよね。例えば雑誌とかテレビの状況も大きく変わりつつある。映画だって同じです。携帯電話が生まれて、家の固定電話も公衆電話もなくなった。スマートフォンで文字を打つから、漢字を書けない人が増えている。新しい何かが生まれると、何かが失われていく。それがいいのか悪いのかは僕が決めることではないし、それぞれが判断すればいいと思うんですけど、世の中どうなっていくんだろうという漠然とした不安は常にありますね。


俳優として、変化する時代の先端にいるなかで、そういった感覚が生まれたのでしょうか？

僕は時代の先端にいるというイメージは全くなくて、むしろその逆にいようと思っています。多くの人が良いと思うものが本当にいいものか、わからない。ものの価値が数によって決まってしまうのは危ないですよ。「流行」の方にはなるべく行かないように、一貫して自分のやりたいことだけを心掛けています。

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現代社会はテクノロジーの側に傾いていて、変化のサイクルも速くなっているように感じます。オダギリさんは、人のあるべき姿はどのようなものだとお考えですか？

僕個人は自然の側に立ちたいけれど、テクノロジーを否定するつもりはないですね。世の中って、いろんなことが許されていいはずなんです。便利で無駄のない生活を追い続ける人にとって、それが幸せならそれでいい。自分はそういう便利さよりも、人間的な生活の方が豊かに感じる性質というだけで。


人間的な生活、豊かさとは、どういったものなのか、という話にもつながりますね。

この作品で、その大きな問いを投げかけてみました。「これが正解だ」と決めつける必要はなくて、個人が好きなようにとらえて、自分にとって何が豊かなのかを掴みとればいいのかなと思っています。


今作は変化の過程を丁寧に描いていて、登場人物の変わり方も印象的でした。オダギリさんが自分に近い存在として感じる人物はいましたか？

自分と近いかどうかはわかりませんが、理想は永瀬正敏さんが演じた仁平です。彼はマタギ（東北地方の山間に住む猟師）なんですけど、この作品のなかで唯一、最初から最後まで変わらないんです。橋ができることで様々な人生の角度が変わりゆくなかで、自分の価値観や生活が変わらないのは仁平だけ。自分にとって何か大切なのか、わかっているからなんでしょうね。


変わってしまう人々の姿を眺めながら、「仕事」って、人が尊厳を持って生きていく上で重要な鍵なのかもしれない、と感じました。

たしかに……そうですね。なんて言ったらいいのかな。一方で僕自身は、仕事を絶対的なものだとは捉えていないんです。現代は生きていく上でお金が必要で、そのために働くという選択肢が一般的。でも、資本主義的な、お金が中心に回る世の中が正しいかと言うと、そうじゃないという思いもある。複雑ですよね。僕の勝手な価値観で言わせてもらうと、働かなくても生きていけるのであれば、それでいいとも思う。自給自足の生活だって選択肢のひとつです。人それぞれいろいろな事情があるから、勝手なことは言えないけれど、僕は絶対的に仕事が必要だとは考えていないんですよ。それなのに、仕事を通して尊厳を獲得するという物語を描いたのだと思うとちょっと不思議ですね。


誰かに必要とされたり、他人と関わり続ける装置としての「仕事」の必要性を感じました。それは、自分自身の生活のなかでも感じてきたことだったので、そのように受け止めたのかもしれません。監督の意図を超えて、登場人物がそれぞれ人格を持っているということで、物語自体が生き始めるということなのかな、と。

それが映画の面白いところですよね。受け取る人の状況や考え方によって、様々な解釈が生まれる。だから、映画はわかりやすい答えを提示すべきではないと思います。物語が生き始めた、と感じていただけたのは、作り手としてはすごくうれしいですし、それだけでこの映画を作った価値があると思いますね。

DA PUMPのオリジネイターとして、約23年間に渡って音楽シーンで活躍してきたISSA。7人編成となった5年前から、自分だけに注目が集まるのを拒み、自らの経験と牽引力を活かしながら、7人がひとつの共同体をとして確立するよう力を注いできた。

7人の一体感は大ヒットソング＆ダンスの「U.S.A.」で実り、続く「桜」では日本の情緒を表現してグループの幅の広さを示し、念願の日本武道館公演まで成功させた。そして、最新シングル「P.A.R.T.Y. ～ユニバース・フェスティバル～」では、人生すべての瞬間を楽しみまくるといった、DA PUMPが大切にしているメッセージをそのまま形にしたような1曲を披露。

全力で疾走してきたグループの支柱であり、日本屈指のヴォーカリストであるISSAに、今現在のDA PAMP のリアルを聞いてみた！

7人編成になって5年、グループとして日本武道館公演を実現しました。

あのような機会を与えてくれたのは、本当に感謝でしかないですね。でも、自分達だけでどうにかしたわけじゃない。日本武道館に立つ僕らの姿を観たいと思ってくれた、ファンやスタッフの皆さんが連れて行ってくれたと思っています。

ISSAさん個人としては、どういう感情が残りましたか？

自分の人生において、忘れられないメモリーとして刻まれました。正直、いつまで今の仕事を続けられるか分からないと思っているんです。年齢のこともあるし、大きな怪我をしてしまうかもしれない。そういう状況の中で、自分自身と対峙しながら、活動を続けていくことが大切だと思っていて。上手くいってもそこで満足してしまうのではなく、振り返って反省して、また次に向けて挑戦する。まさに「修行」を続けていくのが、今後の自分のテーマなんです。

自分自身の捉え方や考え方が、アスリートに近いですね。

精神面も肉体的にも最善を尽くして何かを成し遂げる、という意味では似ているかもしれませんね。歌って踊ること自体が、まさにそういうことですから。そういう中でDA PUMPは、どこにもない唯一無二のグループになれると思っています。

唯一無二になるためには“DA PUMPらしさ”をどう表現するのかが大切だと思います。ISSAさんは、どういう部分がグループの“らしさ”だと思っていますか？

「U.S.A.」をきっかけに、良い意味で、振り切り方や、振り幅の広さが変わったと思っています。それができたのは、何事も思いっきり楽しみながら、謙虚に遠慮せず男っぽくファニーにやるということ。ひと言でいうと“真面目にふざける”ってことになるんですかね。そういう要素って、どのグループを見てもない部分だとは思っています。

それを実現できている原動力って何ですか？

基本的には、自分達がやりたいと思ったことを表現していますし、自分達にしかできないことは、自分達じゃないと決められない。もちろんファンの方に求められるような状況は嬉しいですが、好かれたいからやってるわけじゃない。好きだからやっているんですよね。そういうことをもっと追求していきたいので、歌もダンスもスキルを向上していきたいですね。 

楽曲に関しては、ISSAさんの歌唱力や表現力の高さが魅力につながっています。ヴォーカリストとして心掛けていることはありますか？

やっぱり、誰もが度肝を抜くようなことをやるのが、プロフェッショナルの使命だと思っているんです。それを実現するための、自分との闘い方、自分の保ち方、自分にはこれしかないということは理解しているので、そこだけを極めていけばいいという意識は持っています。そこに対して迷いがないから、向上する気持ちしかない。それがきっと、歌にも反映されているのかなと。最近、すごくそういうことを考えるんですよ。
というのも、日本武道館公演が終わって「やっぱり自分には歌しかないな」と思ったんです。若い頃から色々な経験させてもらったことで、自分が進むべく道を早めに見つけられたと思うのですが、そういう意味ではゴールから始まっていて、あとは向上していくだけなんですよ。そして、その過程の瞬間、瞬間をとにかく楽しむ。なにより、そういう才能を与えてくれた両親や先祖に感謝ですし、それを信じて続けてきたから今ここにいられると思っていますね。

最新シングルの「P.A.R.T.Y. ～ユニバース・フェスティバル～」では、どんな想いが込められていますか？

今の話にも繋がるんですが、自分の人生を表現している曲でもあると思います。今日という日は1日しかないから、それを楽しまないともったいない、ということですよね。自分自身もその日1日1日を楽しもうという感じで生きてきたし、その気持ちが大人になっても活かされている。そういう教訓みたいなことを、この曲を通してみんなにも伝えたいなと。 

確かに、アップテンポなパーティ・チューンですが、歌詞を聴くと人生の歌ですよね。

そうなんですよ。もちろん楽しいことだけじゃなくて、人生って苦難や困難もある、山あり谷ありの道のりですよね。でも人生の最後を迎える時に「自分の人生って本当に良かったな！」って思いたいじゃないですか。それを自分にも言い聞かせたくて。

そういう想いも込めて、今回も真面目にふざけてます。「U.S.A.」も代表曲のひとつですが、今回の曲も7人を象徴するような作品になっているはずです。メンバーと一緒に苦労を重ねてきたつもりなので、その分、仲の良さやも強くなっている。この曲を聴いて、チームやグループっていいなと思ってもらいたいですね。

メロディの乗せ方や、リズムの取り方によっても、曲の印象が変わると思います。歌い方で何か工夫されたことはありますか？

技術的に特別な歌い方をしているとか、声の発し方に工夫をこらしているとかはないです。ただ、歌詞の一語一句をしっかりと届けたい、どうにかして伝えたい、という想いだけは強く持って歌っています。

当然、その楽曲が持っているキャラクターや特色があるので、それはしっかり活かせるように歌いたいとも思っています。自分は何でも屋さんだと思っているので、どんなタイプの曲でも消化できると思っていて。何でも屋さんって、すごいじゃないですか？　どんな要望にも応えられますから。そんな歌い手になりたいとは思っていますよね。R&Bやダンスポップスだけじゃなく、演歌や日本の伝統的な曲も。

逆に、歌手としての辛さ苦しさはないですか？

そういう感覚は、まだないかもしれない。どちらかといえば、うまくいかない時でも、辛いとか苦しいではなく「どうにかしてもっと良くしたい」という気持ちの方が勝っている。だから「なんでこんなこともできないんだ！」って悔しさをバネにしているのが、自分らしさなのかなと。もちろん音域の限界などはありますが、表現力は無限大だと思うので、その時々で自分の100%を表現できるような人間でありたいです。

今回の曲は非常にキーが高いですが、まだまだ限界値ではないという感じですか？

いやぁ、今までの楽曲の中で1〜2を争うくらい、キーは高かったです。ただ、声帯も筋肉なので、鍛えていくと出るようになる。そういう意味では、今回はこういう試練を課せられて、衰えている場合じゃないよ！　と言われているような気もしましたね。その期待に応えなきゃいけないので、本当にありがたいですよ。やっぱり、修行ですね。

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ちなみに、ISSAさんにとって忘れられないパーティとか、人生にとって忘れないシーンはありますか？

やっぱり「U.S.A.」でいろんな場所に連れてってもらったことでしょうか。あの曲のおかげで、それまで自分達がやり続けてきたことを一気に開放できたというのがあるので。「U.S.A.」という楽曲に出会ったのが自分の人生の節目にもなりましたし、そこからまたもう一段階レベルアップというか、違うゾーンに行かなきゃいけないとも思っています。

ISSAさんの長いキャリアをもっても、「U.S.A.」のヒットは大きな出来事だったんですね。

あの曲がなければ、日本武道館への道もなかったですから。世の中的には「復活劇！」なんて言われましたけど、僕らからしたら「復活も何も、ずっとやり続けてることは変わってない！」とは思っていますけどね（笑）。

ちなみに、この夏のパーティのプランは決まっていますか？

この夏は、プロモーションとかフェスへの出演が続きます。その後は、7人体制になってからの完全オリジナル楽曲が揃ってくるので、僕らからみなさんのもとへ届けられるようにしていきたいですね。

ISSAさん個人としては、なにか予定はありますか？

沖縄に行きたいですね。何も考えない時間を作るのって難しいんですけど、できればそう過ごせる瞬間が欲しいです。あとはとにかく、お酒が呑めるなら文句は言いません（笑）。ただ酔っ払いたいのではなくて、自分の心のバランスが保てるんですよ。いい酒の呑み方を、若い世代にも継承していきたいですね（笑）。

最後になりますが、NYLON JAPANが15周年を迎え「NEW POWER NO BORDER」というキーワードを掲げました。その言葉に対して、ISSAさんどのような印象を持ちますか？

DA PUMP も、まさに「NEW POWER NO BORDER」を体現しているグループですよね。最近のお客さんの年齢層って、2〜3歳から年配の方まで非常に幅広いんです。世代とか感覚が全然違うにも関わらず、そういう人達が一緒に楽しめる機会を提供できることが、 DA PUMP でもあると思っていて。

年齢なんて関係なく、人生1回しかないから、やっぱり楽しまなきゃ損じゃないですか。それを伝えられるような存在であり続けたいし、あいつらを見ていれば嫌なことも忘れられる！　と思ってもらえたらいいですね。来るもの拒まずで、これからもっと仲間を増やしていきたい。沖縄の言葉で言えば「いちゃりば ちょーでー（1度会ったら、みんな兄弟）」です。DA PUMPのパフォーマンスがボーダレスなので、それが結果的にみんなのパワーにも変わって、一緒に楽しめていけたら最高ですね。

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STAFF

PHOTOGRAPHY: MELON

STYLING: HIDEYUKI KANEMITSU

VIDEOGRAPHY: TOSH SHINTANI

HAIR&MAKEUP: RYUSUKE TOYAMA(KIDMAN)

TEXT&INTERVIEW: TAKASHI SUZUKI

EDIT: SHOKO YAMAMOTO

DESIGN: SHOKO FUJIMOTO

CODING: JUN OKUZAWA